Alma Thomas, Joan Mitchell, Mary Abbot, Helen Frankenthaler, Perle Fine, Elaine de Kooning, Ruth Kligman, Grace Hartigan, Irene Rice Pereira, Judith Godwin, Deborah Remington, Corinne Michelle West, Sonia Getchoff, Dorothy Dehner, Janet Sobel, Jane Frank, Mercedes Matter, Ethel Schwabacher, Hedda Sterne, Anne Ryan, Alice Baber, Anna-Eva Bergman, Betty Parsons... son solo algunos nombres de las artistas que NO aparecían en el capítulo dedicado al Expresionismo Abstracto de mi libro de arte del siglo XX de la carrera.
Lenora, Lena, Krassner, después Lee Krasner, nació en 1908 en Brooklyn, uno de los distritos de Nueva York, en una familia judía de personas refugiadas a causa de los conflictos bélicos y los pogromos perpetrados en una zona que actualmente pertenece a Ucrania aunque entonces era Rusia. Siempre estuvo interesada en el arte y pudo acceder a dichos estudios en la Women's Art School perteneciente a la Cooper Union, que admitía mujeres como estudiantes, y pasó brevemente por la Art Students League. Continuó su formación en la National Academy of Design, aunque tuvo que pelear para ser admitida ya que en dicha institución dudaron de sus habilidades pictóricas a la hora de ejecutar un autorretrato al aire libre con tanta calidad, el cual presentó para su acceso. Pocas semanas después del llamado 'Crack del 29' abrió sus puertas en Nueva York el que sería un referente para el mundo del arte y con el que la artista tendrá una larga relación: el Museum of Modern Art (MoMA). Allí Krasner visitó, entre otras muestras, una exposición sobre Postimpresionismo que ejercería en ella un poderoso interés ante el arte moderno hacia el cual dirigiría su obra, abandonando la figuración académica adquirida en el City College de Nueva York y en los métodos clásicos de las clases de dibujo del natural con Job Goodman en Greenwich House (Fig. 2).
1928, Autorretrato
1929, Autorretrato
En la época de la Gran Depresión la 'Work Progress Administration' (WPA) quiso ayudar a los/as artistas encargándoles trabajos a través de un proyecto de arte público dedicado a la pintura mural, la División de Murales del 'Federal Art Project' (FAP), siendo Krasner una de las artistas asalariadas para llevar a cabo la traslación de bocetos de artistas a los murales. Hacia 1940 diseñó unos bocetos en gouache para un futuro mural abstracto pero este nunca llegó a realizarse (Fig. 3), aunque sí realizará otros a lo largo de su vida. Además de murales, también trabajó en otros proyectos durante las décadas de 1930 y l940, como la serie de diseño de escaparates para unos grandes almacenes en Manhattan y Brooklyn que anunciaban cursos de entrenamiento para la guerra en los que mezclaba a modo de collage fotografías con sus característicos trazos abstractos (Fig. 4). En 1937 obtuvo una beca para estudiar con el profesor y artista alemán Hans Hofmann en la escuela de arte que llevaba su nombre, quien diría de ella:
“Su trabajo es tan bueno que nadie notaría que lo hizo una mujer”
comentario horriblemente machista se mire por donde se mire, lo cual dice mucho del entorno artístico donde la Krasner tuvo que hacerse hueco y sobrevivir (Fig. 5).
1940, Estudio para mural (Sin título)
1942, diseño escaparate guerra
1938, Lee Krasner. Fotografa/o desconocida/o
Durante un tiempo se unió al grupo 'American Abstract Artists' (AAA), y su obra de esta época presenta influencias de corrientes relacionadas con el arte europeo tales como el Cubismo, el Expresionismo alemán, la obra de Henri Matisse o la Abstracción de Piet Mondrian y Pablo Picasso, pero también de artistas del entorno neoyorquino en el que se estaba gestando un tipo de abstracción específicamente localizado y con rasgos muy adaptados a lo personal de cada artista (Fig. 6). En la década de 1940 expuso con un grupo de pintores norteamericanos como Willem de Kooning o Mark Rothko, los cuales estaban conformando el Expresionismo Abstracto y la que se denominaría 'Escuela de Nueva York', apoyada en la teoría por el crítico Clement Greenberg y que tendría a Jackson Pollock como principal abanderado de la gestualidad y la materia pictórica como fin último de los cuadros.
En 1942 Krasner participó en la exposición colectiva French and American Painting (Pintura Francesa y Americana) comisariada por el pintor John Graham para una tienda neoyorquina de muebles antiguos llamada McMillen Inc. En dicha muestra se pusieron en relación obras creadas por artistas de Europa como, entre otros, Georges Braque, Pablo Picasso, Henri Matisse, André Derain o Amadeo Modigliani, con artistas de Norteamérica como Lee Krasner (en el catálogo aparecía como Lenore Krassner), Jackson Pollock, Walt Kuhn o Stuart Davis, con la idea de equipararlas. Mientras que Krasner expuso su obra Abstraction (Abstracción), Pollock presentó Birth (Nacimiento) (Fig. 7), de su periodo 'pre-Krasner', y como resultó que era el único pintor de toda la muestra que ella no conocía, decidió ir a visitarlo a su estudio. A partir de ahí comenzaría una relación intensa y compleja como matrimonio de artistas que duraría hasta el fallecimiento del pintor en un accidente de coche en 1956 mientras Krasner estaba en París.
Es una pena que la liberación de la mujer no haya ocurrido 30 años antes en mi vida. No podía salir corriendo y hacer mi trabajo como mujer artista en un mundo tan sexista como el mundo del arte, no podía continuar con mi pintura y permanecer en el papel en el que estaba como Sra. Pollock.
Lee Krasner, 1973
Cuando en 1945 se casa con Pollock su producción se ve reducida, minimizada y solapada por la producción y la importancia mediática de la obra de él, que además ella ayudaba a promocionar, supervisaba y apoyaba., y cuya influencia estilística en lo que desembocaría como el estilo más reconocible de Pollock procede en gran parte de la obra de Krasner. Aun así, entre 1946 y 1950 ella pintó su serie Little Images (Pequeñas Imágenes) en la que exploraba la observación interior desde el automatismo y la libertad creativa totalmente centrada en el lenguaje abstracto. Trababa de llegar a cierto ejercicio de meditación, borrando y raspando la superficie de los lienzos y acercándose en cierta manera a la escritura jeroglífica (Fig. 8, 9 y 10). Era extremadamente autocrítica, así que destruía sus obras si no respondían a sus criterios propios de calidad, por tanto, no se conservan muchas de sus creaciones en la actualidad. En esa época, en concreto durante el frío invierno de 1947, utilizó unas ruedas viejas de carro para realizar unos mosaicos horizontales con restos de teselas, llaves, monedas, trozos de bisutería y cristal, trabajos que realizó en el salón de la casa y que expuso en la Bertha Schaefer Gallery en 1948 junto a algunas Pequeñas Imágenes (Fig. 11). También queremos destacar el uso que hizo del collage como técnica artística de manera habitual durante toda su larga trayectoria que recorre prácticamente seis décadas en algunas de sus obras de los años 50 como en Collage (Fig. 12), Luna del desierto (Fig. 13) o Charla de pájaro (Fig. 14).
1946, Sin título (serie Little Images)
1947, Color hecho añicos (serie Little Images)
1948, Cuadrados blancos (serie Little Images)
1947, rueda mosaico
1954, Collage
1955, Luna del desierto
1955, Charla de pájaro
En 1951 expuso en la mítica exposición colectiva de Leo Castelli y en varias ocasiones en galerías de prestigio como la de Betty Parsons o en el Whitney Museum of Modern Art en 1972, pero le costó mucho ser considerada algo más que la “mujer de” y no como artista autónoma, reconocimiento muy tardío que le llegó por parte del MoMa en 1984 con una exposición antológica seis meses después de su muerte. En España la primera exposición de la artista fue la retrospectiva Lee Krasner. Color vivo, organizada por el Museo Guggenheim Bilbao en colaboración con la Barbican Art Gallery de Londres entre septiembre de 2020 y enero de 2021. (https://www.guggenheim-bilbao.eus/exposiciones/lee-krasner-color-vivo)
Merece la pena poner sobre la mesa el caso Krasner-Pollock como ejemplo del posible funcionamiento de un matrimonio cuyos dos componentes son artistas que comparten espacios domésticos y de trabajo, siendo él quien ocupa un estudio más grande que ella. Esto precisamente ocurría con Pollock ya que utilizaba el granero que tenían próximo a su casa de Springs, Long Island. Con sus grandes lienzos y sus técnicas de goteo o dripping, necesitaba cada vez espacios más amplios, mientras Krasner apenas tenía sitio (ni físico ni mental, ni tiempo, por otro lado) para pintar su obra, mucha de la cual tenía que producir sobre una pequeña mesa dentro de su dormitorio, o arrinconada con su caballete en cualquier hueco libre (Fig. 15). Si revisamos las medidas de sus Pequeñas Imágenes descubriremos que no suelen sobrepasar, salvo excepciones, un metro de lado, oscilando habitualmente entre los 50 y los 70 cm. Investigadora plástica infatigable, justo antes de marchar a Francia había dejado pintada una obra muy diferente al resto, ejecutada durante el verano de 1956 llamada Profecía (Fig. 16), más parecida formalmente a la tortuosa carnalidad de las propuestas pictóricas de Willem de Kooning (Fig. 17) que a sus propios lenguajes expresionistas abstractos. A su vuelta a casa, tras el funeral de Pollock, acompañaron su proceso de pérdida la creación a modo de serie complementaria de Profecía las obras Nacimiento (Fig. 18), Abrazo (Fig. 19) y Tres en dos (Fig. 20).
Krasner Pollock
1956, Profecía
Willem de Kooning, Mujer, 1950–52
1956, Nacimiento
1956, Abrazo
1956, Tres en dos
Tras la muerte de Pollock irá poco a poco recuperando espacios y utilizando el granero para producir obras más grandes que antes, como en la pieza Las Estaciones (1957), que ya ofrecía unas dimensiones considerables de 235,6 x 517,8 cm (Fig. 21), fuertemente influenciada por el uso del color de Henri Matisse cuyo trabajo ella misma declaró conocer y admirar (Fig. 22). La serie de 24 pinturas Umber Paintings (Pinturas Ocres) (1959-1962) se corresponde con una de sus etapas más ambiciosas profesionalmente: afrontó su duelo y su nueva soledad doméstica y laboral experimentando con lienzos de gran tamaño, enfatizando en la gestualidad de la propia pintura y en la autoexploración mental del proceso pictórico, pintando con luz eléctrica por las noches debido al insomnio crónico que sufría en aquella época. Aunque quizá sean estas las pinturas más cercanas al característico estilo de Pollock, supo imprimir a sus obras una abstracción absolutamente personal mediante pinceladas muy expresivas y una serie de tonos ocres, crema y blanco que confieren a la serie una consistente unidad plástica, como puede apreciarse en Estampida polar (1960) cuyas medidas son 243,8 x 412,4 cm (Fig. 23), Fecundidad (1960) de 221,9 179,1 cm (Fig. 24) o Marea lunar (1961) de 94 x 340,4 cm. Continuó explorando con los grandes formatos que le permitían las paredes del granero y siguió evolucionando durante la década de los años 60 mediante la irrupción del color y la soltura de su gesto, cada vez más caligráfico, animada además por la realización de su primera exposición individual en la Whitechapel Gallery de Londres en 1965 (Fig. 25, 26 y 27).
1957, Las estaciones
Henri Matisse, Los marroquíes. Finales 1915 -inicios 1916
1960, Estampida polar
1960, Fecundidad
1963, Otra tormenta
1964, The Springs
1966, Sirena
Como artista, nunca me consideré nada más que Lee Krasner. Siempre voy a ser la señora Pollock, eso es un hecho, pero nunca he usado el nombre Pollock en relación con mi trabajo. Pinté antes de Pollock, durante Pollock y después de Pollock.
y es importante tener presente precisamente eso: que ella ya era pintora antes de conocerle, y que lo siguió siendo tras la muerte del pintor en 1956, atravesando un proceso de liberación pictórica y empoderamiento gradual, el aumento del tamaño de sus piezas, las constantes referencias a la naturaleza y la incorporación de tonos magentas como en Icarus (Fig. 28) o Gaea (Fig. 29). Debió marcarle muchísimo el comentario de Hofmann ya que siempre trató de separar el yo de su pintura para no dejar traslucir el género en la producción pictórica y evitar así que su arte fuese denominado (despectivamente, claro) como "femenino", algo aparentemente complicado en el Action Painting, donde es precisamente el propio cuerpo del/la artista el que ejecuta la obra.
1964, Icarus
1966, Gaea
Su dilatada carrera le permitió seguir experimentando durante la década de los años 70 con formas abstractas pero modificando la rigidez de los bordes, que comenzarían a afilarse como en Palingenesia (Fig. 30), palabra que significa "renacimiento" en griego, un concepto que Krasner manejaba a la perfección a esas alturas de su vida. Gran parte de estas obras fueron expuestas en su extensa muestra monográfica comisariada por Marcia Tucker Lee Krasner: Large Paintings (Lee Krasner: Grandes Pinturas) celebrada en el Whitney Museum de Nueva York en 1972, la primera que le dedicó su ciudad. En abril de ese mismo año se había unido al grupo activista feminista 'Women in the Arts' y había participado en una protesta organizada frente al MoMA por la escasa representación de artistas mujeres en sus exposiciones. Lejos de dejarse encasillar en etiquetas estilísticas, en 1977 expuso en la Pace Gallery de Nueva York Eleven ways to use the words to see (Once maneras de usar las palabras para ver) (Fig. 31), una serie de collages realizados el año anterior resultantes del reciclaje, descomposición y recomposición de bocetos y dibujos que había rescatado de su periodo de estudiante en la Escuela de Bellas Artes de Hans Hofmann a finales de los años 30, demostrando que su capacidad creativa e innovadora no tenía límites (Fig. 32). Recibió el premio Outstanding Achievement in the Visual Arts por parte del colectivo feminista 'Women's Caucus for Art' y fue nombrada Caballero de las Artes y las Letras por el Ministerio de Cultura de Francia, entre otras importantes menciones por parte de universidades y entidades culturales.
1971, Palimgenesia
1976, Imperfecto Indicativo
El Expresionismo Abstracto americano estuvo marcado por actitudes machistas que llevaron a las artistas incluso a modificar sus nombres de pila con el objetivo de desenvolverse en la maraña estructural del arte masculino de élite imperante. Lee Krasner se llamaba Lena, pero Lee era más ambiguo y útil. Corinne Michelle West y Grace Hartigan usaron los nombres masculinos de Michael West y George Hartigan respectivamente. O Elaine de Kooning y Lee Krasner, que firmaron muchas de sus obras con las iniciales EdeK y LK, aunque Krasner también firmó con su nombre completo, sobre todo a partir de los años 60. Paradójicamente también fue la corriente que aportó a la historiografía a la primera artista negra que expuso su obra en un museo en Estados Unidos: fue Alma Thomas en el Whitney Museum de Nueva York en 1972, justo el mismo año de la retrospectiva de Lee Krasner.
Tanto la casa donde vivieron como el granero donde trabajaron Lee Krasner y Jackson Pollock se han conservado y pueden visitarse en Springs, East Hampton, en Long Island, Nueva York (https://www.pkhouse.org/es/home).
Gracias a la generosidad de Krasner, en 1985 se constituyó la Fundación Pollock-Krasner (https://pkf.org/), la cual destina recursos económicos a artistas visuales internacionales mediante la dotación de becas, además de conceder diversos premios y reconocimientos a méritos artísticos.
Por último, os recomendamos revisar el documental Lee Krasner: The Long View (Lee Krasner: Visión a largo plazo) (https://www.digitallongisland.org/record/40254?v=vid) realizado por la historiadora, comisaria y crítica de arte Barbara Rose en 1978 donde, además de entrevistar a la artista, podemos verla trabajar y escuchar sus reflexiones de primera mano.